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Continuamos nuestra charla con el lider y vocalista de Pain of Salvation. Ahora nos habla de por qué no le gustan las producciones actuales, y de la importancia de festivales mixtos, además de sorpresas para fans de la banda el año que viene. Puedes leer la primera parte AQUI.

M: Creo que mucha gente se va a sorprender cuando el álbum sea lanzado y escuchen la versión de “Holy Diver”. Yo definitivamente no me lo esperaba. Todo iba normalmente y luego… tomo un giro rotundo [risas], pero no le voy a arruinar la sorpresa a los fans.

Pero por supuesto, ser “únicos” siempre fue uno de los puntos fuertes de vuestros álbumes, pero también puede dividir un poco a los fans. Mucha gente se subió a la furgoneta con los álbumes “Road Salt”, pero también muchos fans antiguos se confundieron un poco con la nueva dirección en cuanto a composición y producción. Alguna vez te preocupo eso a la hora de trabajar en un nuevo álbum?

D: Si, siempre me preocupa un poco. Intento que no me preocupe, no tiene sentido, hacemos lo que queremos. Ademas, como te dije anteriormente, me motivan mucho la pasión y la curiosidad, y necesito sentir pasión por lo que estoy haciendo. Y estaba tan cansado de lo que yo al menos considero “malas producciones”, especialmente en la escena de metal progresivo. Muy frías, al estilo “pared de sonido”, con un bombo agudo, y para mi eso es el equivalente de una mala producción.

De una manera es una declaración, pero también es un tipo de escape para mi, estando y viviendo en ésta escena, y escuchando constantemente este tipo de producciones, cada festival que toco, y me encuentro con el resto de las bandas dentro del género, y la industria en general, y me cansa mucho, mas de lo que creo que un fan normal puede entender.

M: Si, porque vives con ello, ¿no? No es que vas a un festival una vez cada tanto, como los fans. Tienes que vivir eso en el día a día.

D: Si, exacto, vivimos con ello día a día, y llegas al punto en el que tal vez hasta compensas en demasía hacia el otro lado, pero creo que eso es algo importante, algo que se debe hacer. Y creo que justamente de ese tipo de frustración es que nacieron muchos de mis álbumes preferidos. Es una reacción hacia lo “normal” dentro de la industria en ese momento.

Y si lo miras en retrospectiva, esos álbumes generalmente son los mas interesantes, mas interesantes que los álbumes que siguen las tendencias de la industria.

M: Si, en realidad lo que dices me recuerda mucho a declaraciones de Mikael Akerfeldt (de Opeth) con respecto al lanzamiento de “Heritage”. El también dijo que estaba cansado de ese sonido frio y la dirección que estaba siguiendo la industria. Y que fue por eso que grabaron donde grabaron, donde había grabado Abba, y el enfoque mas orgánico para con respecto a la producción.

Y en realidad, tengo una pregunta con respecto a la producción del álbum, y vengo buscando hace tiempo información sobre el aspecto técnico del disco, quien lo produjo, quien lo mezcló, quien lo masterizó, porque no aparece en el folleto de prensa.

D: Debe decir en el kit de prensa. Si si, lo grabamos nosotros mismos en nuestra sala de ensayo, así como lo habíamos hecho con los “Road Salt”, y lo mezcle yo, y también fui el ingeniero de grabación por la mayor parte del disco.

1122_artistM: Te pregunto esto porque suena genial, suena super orgánico, y no sé si tomaste un enfoque bien “old school”, grabando con cinta, o cosas así. Pero el rango dinámico y el sonido orgánico del álbum son un bien “frescos” para lo que es la industria actualmente.

D: Estoy muy, muy contento de escuchar eso. Sucede que yo nunca me entrené [formalmente] para esto, para ingeniería de sonido. Fué simplemente que de tanto estar en estudios de grabación, ya sé el tipo de sonido que quiero. Fue “12:5” el primer álbum que mezcle yo mismo, y desde ese momento, si bien he mezclado muchos álbumes, todavía me siento muy inseguro con respecto a lo que estoy haciendo. Es ese sentimiento de “Hey! Yo nunca fui entrenado para esto! Yo solo pienso que sé lo que estoy haciendo!” [risas]. Pero sé lo que quiero escuchar.

Supongo que la desventaja es que me lleva mucho mas tiempo llegar ahí. No tengo la rutina que un productor típico tendría. Sé como encontrar las cosas básicas, pero siempre tengo que buscar como hacer ciertas maniobras cuando estoy mezclando.

Aprendí lo de las frecuencias porque es bastante intuitivo, sabes? Aprendes rápido que tipo de “sabor” tiene cierta frecuencia. Pero aparte de eso, recuerdo que durante “Scarsick”, quería aprender como hacer side-chaining, y fue algo como “quiero hacer esto! Pero como lo hago?” [risas]. Tuve que buscar e investigar muchas cosas. Pero llegado el próximo álbum, ya me había olvidado de todo eso.

Es otra de las desventajas que tengo con respecto a los productores de profesión. Ellos trabajan con eso todo el tiempo y se mantienen al día. Para mi es como que tengo que empezar desde 0 cada vez que quiero hacerlo.

Otra cosa es que no me gusta trabajar con “templates”. Creo que quiero emular, de cierta manera, el enfoque que tenían en los 70s para con las mezclas. Tenias una sola mesa de mezcla y tenias que trabajar la canción desde el principio. Tenias que escuchar que necesitaba la canción, en vez de depender de un “template”, que tal vez force a la canción a tener un sonido que puede no es el óptimo para ella, sabes? Lo haces de puro habito.

M: Si, y también existe la tendencia entre nuevas bandas de tomar la actitud de “vamos a arreglarlo en pos-producción”. En cambio en los discos “Road Salt” y en “Falling Home” puedes escuchar que los micrófonos fueron posicionados de manera a que las baterías, por ejemplo, suenen mas naturales. Creo que es un enfoque fresco para nosotros y a la vez un enfoque “retro” apuntando a aquellas producciones de los 60s y 70s.

D: Si, en cierta manera tuvimos que hacer lo que ellos hacían en aquella época. A finales de los 60s, si lees sobre The Beatles, y sus producciones de finales de la década, te das cuenta que es así. Creo que “Abby Road” es una de las mejores producciones que he escuchado, absolutamente maravillosa. Pero lo que hicieron fue probar y ver si funcionaba, básicamente.

Hasta que ellos grabaron “Revolver”, cuando grabaron en ese estudio, se grababa todo de acuerdo a un manual. Los ingenieros tenían trajes de laboratorio y las posiciones de los micrófonos para la batería y demás eran exactas.

Pero como ellos eran una banda de pop, a nadie le importaba que hagan las cosas de manera diferente. Entonces empezaron a poner los micrófonos mas cerca de las baterías, que es el standard de como se graban las baterías ahora. Nadie pensaría en grabar como lo hacían antes, simplemente con micrófonos a la distancia, con el micrófono del bombo a un metro del bombo en sí.

Personalmente, llegué al punto en el cual las producciones modernas simplemente ya no me llegaban, no hacían nada por mi [emocionalmente]. Escuchaba buena música, y no me llegaba a las tripas.

Y me dí cuenta que, siempre que escucho a música de mediados de los 70s, algo sucedía. Sentía a la música de manera diferente. Se sentía tan diferente, tan agresiva, tan dinámica. Aun pudiendo escuchar que hay bastante compresión dentro de esos discos, sabes que es una compresión del mix completo, en vez de comprimir todo individualmente para que suene parejo, sabes?

Eso fue lo que intenté hacer. Me encantan como suenan las baterías de muchos discos de los 70s. Los que costaron caro, no hay nada en esta época que se les compare. Pero no tenía idea de como hacerlo. Sabía que no teníamos el equipo que ellos tenían, simplemente en nuestra sala de ensayo [risas]. No había manera de que tengamos una enorme mesa de mezcla con pre amplificadores y compresores Neve.

Tuvimos que encontrar una manera de llegar al menos cerca, con lo que teníamos a mano, con medios digitales. Pasamos dos días con un amigo, probando diferentes parches de batería, diferentes maneras de callar las baterías [dampening], diferentes tipos de tela, de cinta, de Moon Gel, diferentes posiciones de micrófonos, diferentes afinaciones. Tomo muchísimo tiempo hasta que encontramos algo que me hizo decir “OK, estamos llegando a algo que empieza a gustarme”.

Oh, estoy llegando tarde a mi próxima entrevista! [risas]. Hagamos una pregunta importante y final.

M: Si! De hecho, esta se enfoca en nuestra audiencia Española. Ustedes tocaron en un festival en Barcelona llamado “Be Prog! My Friend”. Y era un festival completamente prog: Anathema, Opeth, Fish. Como fué esa experiencia, y piensas que un festival 100% prog tiene futuro en esta etapa de la industria?

D: Eh… Aprecio tanto los festivales de nicho como los festivales bien variados. Ambos son muy importantes. Creo que soy un poco bipolar en ese sentido. La parte del medio, no me interesa. Quiero que sea o totalmente de nicho, o totalmente diverso.

El punto del festival de nicho es que si te gusta ese tipo de música, vas a encontrar lo absolutamente mejor de ese genero, sabes? Y probablemente encuentres una o dos bandas más dentro de ese genero que tal vez no conocías y te gustaron.

Pero algo aun más importante es tener esos festivales bien abiertos y variados, y preferiblemente sin hacer un stage de prog, un stage de rock, un stage de metal, porque sino los fans van solamente a lo que conocen y termina siendo lo mismo.

Creo que en esta etapa de la industria en donde todo ha cambiado tanto, y en donde ha cambiado la manera en la que consumimos música es, irónicamente, mucho menos probable que vas a ser expuesto a música que no esperas, con respecto a hace 20 años.Pain of Salvation - Johan Hallgren

Hay un flujo muchísimo mas grande, y hay muchísimas mas posibilidades, pero las posibilidades dependen de que tu tomes la decisión de probarlas, sabes?

Por lo tanto, hoy en día es mucho mas fácil que la gente se encasille escuchando solamente música con la cual se sienten cómodos.

Y los medios grandes se volvieron aun más enfocados en productos, y mucho menos motivados por pasión.

Creo que es muy importante, ahora más que nunca, tener festivales mezclados en donde la gente queda expuesta a buena música y donde tal vez encuentren cosas que quizás ni tenían idea de que les iba a gustar.

M: Daniel, muchas gracias por tu tiempo, y espero que el próximo entrevistador no este demasiado enojado [risas]. Creo que ya no van a salir de tour por “Falling Home”, no?

D: En realidad, estamos pensando extender una parte mas del tour el año que viene, ya que parece haber una gran demanda para ese tipo de shows. Estamos examinando las posibilidades.

Tenemos sorpresas bien interesantes para los fans el año que viene.

M: Genial, Daniel! Muchísimas gracias por tomarte el tiempo de hablar con nosotros, y te deseo la mejor de la suerte con tu salud, con la banda, y obviamente con el lanzamiento de “Falling Home”.

D: Muchas gracias! Fue un gusto hablar contigo.

M: Igualmente! Adiós!

D: Adiós!

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